Le chef-d’œuvre plein de messages codés sur la Seconde Guerre mondiale

Ésotérique et pionnier, les peintures d’une préraphaélite moins connue, Evelyn de Morgan, ont exploré le traumatisme et le sens de la guerre – et l’artwork fantastique actuel préfiguré.

Sur une plage rocheuse qui brille de rouge de lave, les dragons respirant de la fumée entourent des prisonniers misérables implorant un ange pour les livrer de la souffrance. La peinture à l’huile Loss of life of the Dragon par Evelyn de Morgan ressemble d’abord à une scène du livre apocalyptique des révélations du Nouveau Testomony. Mais, peint entre 1914 et 1918, c’est aussi quelque selected de plus personnel et critique: une allégorie pour la misère et la servitude de la Première Guerre mondiale, et la confrontation entre le bien et le mal.

Le spectacle coïncide avec la réouverture du musée De Morgan à Barnsley, Yorkshire, après une vaste rénovation de toit, et répond à un intérêt croissant Dans cet artiste moins connu. Elle a eu tendance à être éclipsée par son mari William – céramiste et écrivain, qui avait travaillé au début de sa carrière avec le créateur textile William Morris – et les hommes célèbres de leur cercle: son oncle et professeur d’artwork, John Roddam Spencer Stanhope, par exemple, et les peintres William Holman Hunt et Dante Gabriel Rossetti. Une grande partie de ce que nous savons de De Morgan aujourd’hui vient de sa sœur Wilhelmina, qui a créé la Fondation De Morgan, mais même elle a jugé bon de publier la biographie posthume du couple sous le titre William de Morgan et sa femme.

Pourtant, Evelyn de Morgan mérite plus que le monde tardif du monde de l’artwork. Diplômée de Slade, qui travaillait à la fin du mouvement préraphaélite, elle a soutenu le style sans doute ou trop sentimental dans un nouveau territoire, créant des tableaux inhabituellement visionnaires et énergiques. Les femmes qu’elle représentaient étaient moins passives que celles représentées par ses contemporains et se sont présentées comme des symboles de l’agence plutôt que des objets du regard masculin. Au lieu d’un corps noyé flottant sur la rivière, comme dans Sir John Everett Millais ‘ Ophéliaou des chiffres dont la monnaie principale était leur apparencenous rencontrons un qualifié Sorcière créant des potions magiques et super-héros volants Qui peut lancer la pluie, le tonnerre et la foudre de leurs doigts.

Ces figures semblables à la déesse montrent l’affect de l’artwork classique que De Morgan avait étudié. Des œuvres impeccablement exécutées telles que Boreas et Oreithyia (1896) révèle son intérêt pour la mythologie et sa maîtrise de la forme humaine, rappelant Michel-Ange.

Dans la mort du dragon, en termes de composition, il est facile de voir l’affect de Sandro Botticelli La naissance de Vénus (1483–1485), que De Morgan avait visité à Florence. Si l’ange halo de De Morgan fait écho à cette idée de renaissance – reflétant la croyance de l’artiste en une vie après la mort spirituelle – alors les bêtes ailées sont son homologue, la mort, qui mord toujours les talons du peuple et menaçant de les surmonter. Ailleurs dans son travail, la mort prend des formes alternate options: un ange noir portant une faux, monstres de mer ou – plus obliquement – une minuterie de sable. C’est un symbolisme qui parle de la transacité de la vie et acquiert une pointe supplémentaire dans son travail ultérieur, transmettant le traumatisme collectif de la vie d’une guerre mondiale qui a coûté près d’un million de vies britanniques.

« Pendant la Première Guerre mondiale, ils [the De Morgans] étaient à Londres, donc ils auraient été directement touchés, « Jean McMeakin, président du conseil d’administration de la Fondation De Morgan, explique à la BBC. » La mort était réelle pour eux d’une manière que nous avons peut-être largement oublié ces jours-ci « , souligne-t-elle. » Les membres de la famille de William sont morts de la tuberculose, et sa propre santé était souvent assez pauvre. La mort était, en quelque sorte, toujours présente en arrière-plan. « 

De Morgan était pacifiste et son artwork est devenu une forme d’activisme. Dans Notre-Dame de la paix (1907), une réponse aux guerres de Boer, un chevalier plaide pour la safety et la paix, tandis que dans Le pauvre homme qui a sauvé la ville (1901), la sagesse et la diplomatie sont préconisées comme alternate options à l’intervention militaire. Plus tard, dans La Croix-Rouge (1914-16), les anges portent le Christ crucifié sur un paysage flétri percé par les tombes de la guerre belge – une suggestion, peut-être, que la foi chrétienne est en contradiction avec la brutalité de la guerre, mais nous offre un espoir de rédemption. « Vous ne devez jamais louer la guerre », a déclaré De Morgan à la suite d’une expérience (1909), un livre de « Écriture automatique » co-auteur avec son mari. « Le diable l’a inventé, et vous ne pouvez avoir aucune conception de ses horreurs. »

L’idée des forces du bien et du mal agissant sur des gens ordinaires était omniprésente à cette époque. « Le spiritisme était très populaire », affirme McMeakin, citant l’auteur Sir Arthur Conan Doyle – le créateur de Sherlock Holmes – comme l’un de ses adhérents les plus célèbres. Les croyances d’un autre monde, dit-elle, étaient « probablement le résultat de la tourmente, les changements massifs qui se produisent dans la société menant au tournant du siècle, plus une période de nombreuses guerres, ce qui aurait eu un affect sur leur imaginative and prescient du monde ». Sans aucun doute, De Morgan a également été influencée par sa belle-mère, Sophia, une spiritualiste et un médium bien connues. Avec autant de vies perdues, il était sans aucun doute tentant de croire que vous pouviez vous reconnecter avec les défunts.

Pour De Morgan, le matérialisme était en opposition à la spiritualité, et beaucoup de ses œuvres confondent la poursuite de la richesse avec la mort. Les couronnes, portées par les serpents ailés dans la mort du dragon, sont un motif répété indiquant la cupidité et la misère. Dans Attaché à la terre (1897), un roi avare dans une cape d’or à motifs de pièces est sur le level d’être submergé par l’ange de la mort, alors qu’il était dans La porte barrée (C.1910-1914), une determine similaire se voient refuser l’entrée au ciel.

Avec l’avenir si incertain, De Morgan accorde l’significance de l’accomplissement spirituel et du bonheur au centre d’une grande partie de son travail. Dans Bécité et cupidité chassant la joie de la ville (1897), par exemple, « Cupidité » est personnifiée comme une determine couronnée qui serre des trésors qui poussent la « joie » sous la forme d’un ange. Ici, comme dans la mort du dragon, les personnages centraux sont enchaînés, suggérant des âmes piégées.

Dans Le prisonnier (1907-1908), la fenêtre barrée et les poignets enchaînés d’une femme font de la captivité une métaphore de l’inégalité entre les sexes, faisant allusion au soutien des de Morgans à suffrage universel (Evelyn était un signataire d’au moins deux pétitions importantes, tandis que son mari était vice-président de la Ligue masculine pour le suffrage féminin). Le thème revient dans Luna (1885), où le corps lié à la corde d’une déesse de la lune, une determine mythologique du pouvoir féminin, fonctionne comme une métaphore de la lutte d’une femme pour influencer son propre destin.

Baptisé « Marie », Evelyn a ensuite adopté son deuxième prénom alors neutre alors le style, automobile l’artwork des femmes n’a pas été pris au sérieux. « Elle voulait être considérée au même niveau que ses pairs masculins », explique McMeakin. « Nous pouvons assumer un énorme degré d’auto-possession et de détermination dans son désir de devenir une artiste professionnelle », ajoute-t-elle, faisant valoir que même la mère de De Morgan s’est opposée à son choix de carrière.

Techniquement, De Morgan était également un pionnier. Elle a expérimenté le brunissage et le frottement des pigments d’or dans ses œuvres pour ajouter de la profondeur et de l’intérêt, et a exploré de nouvelles strategies de peinture inventées par son mari, fabriquées par des couleurs de broyage avec de la glycérine et de l’esprit. Stylistiquement, elle était également en avance sur son temps. L’utilisation non conventionnelle des roses et des violets, et les anneaux audacieux de la lumière arc-en-ciel, préfigurent les kinds de peinture psychédélique des années 1970, tandis que ses monstres terrifiants ne auraient pas l’air à la place dans l’artwork fantastique contemporain.

Alors que l’histoire de l’artwork a eu tendance à peindre les femmes en tant que mères vierges, objets de beauté ou de tentatrices, la perspective spécifiquement féminine de De Morgan les refonde comme des figures d’espoir qui augurent un avenir alternatif et plus brillant. Dans Lux en Tenebris (Lumière dans l’obscurité) (1895), par exemple, la determine féminine tient une branche d’olivier dans sa fundamental droite, offrant un chemin vers la paix. Dans la mort du dragon, l’ange est entouré d’un magnifique arc-en-ciel: un symbole (avec le ciel) de joie qui dénote l’accomplissement et la liberté spirituels, ainsi que la promesse d’une vie après la mort.

C’est une erreur de penser à des œuvres telles que la mort du dragon comme « complètement sombre », soutient McMeakin, notant que « souvent avec [her] scènes apocalyptiques, il y a une lueur d’espoir, ou une partie de la peinture qui est calme « . À bien des égards, la mort du dragon est optimiste, exprimant le mauvais mauvais temps. Bref « , a-t-elle écrit dans son journal. » Je vais compenser maintenant, je n’ai pas un second à perdre. «