HJe n’ai jamais traversé l’Atlantique. Jamais navigué l’égéen. Un ferry croisé a suffi à Joseph Mallord William Turner pour comprendre la puissance et la majesté de la mer. Sa peinture de 1803 Calais Pier enregistre ses sentiments lors de sa première arrivée en France alors que des montagnes vertes moussantes de vagues semblent sur le level de balayer la jetée en bois fragile où les passagers d’Angleterre devraient débarquer. Il est fasciné et consterné par l’eau, si solide en son pouvoir mais qui se déplace, se dissolvant, se déplaçant.
Si JMW Turner, né il y a 250 ans ce printemps, est le plus grand artiste britannique – et il l’est – c’est en partie parce qu’il est si intensément conscient d’un fait déterminant sur son pays: c’est une île. Pour Turner, la Grande-Bretagne est bordée par la mort, la terreur et l’aventure. Une étape du rivage vous emmène dans un monde de péril. Dans la mer Iveagh, les pêcheurs transportent leurs bateaux sur une plage de trempage tandis qu’une imprecise comme un mur se dirige vers eux. Un bateau de pêche est toujours sur les eaux sauvages, si près du rivage encore si loin de la sécurité.
L’artiste insulaire bien qu’il soit, l’creativeness de Turner est l’opposé de l’Insulaire. Il faut des civilisations perdues et des mythes anciens, des montagnes qu’il a traversées et des mers qu’il n’a jamais fait. Les guerres qui ont commencé avec la Révolution française en 1789 avaient emprisonné la Grande-Bretagne derrière les «murs en bois» de la Royal Navy. Lorsqu’une paix de courte durée a éclaté, le jeune artiste paysagiste a pris sa probability de voyager, en voyant un competition de vin à Mâcon, regardant avec admiration au Mont Blanc – pour juger des peintures qu’il a montré l’année suivante. Avant de voir le continent, il a peint l’Italie légendaire. Toute sa vie, il maintiendrait des pèlerinages picturaux europhiles à Venise et Rome, Heidelberg et le col de Saint-Gotthard.
Turner est né près de Covent Backyard, Londres, le 23 avril 1775, dans une Grande-Bretagne qui semblait un endroit beaucoup plus grand que maintenant. Chaque distance était vaste, chaque route se sentait plus longue. Il a fallu plusieurs jours pour se rendre de Londres à Chester, Newcastle ou Exeter. Il y avait Terra incognita à la fin de votre voie. Lorsque le Younger Turner a participé à des visites de dessins – au Pays de Galles en 1792, le nord de l’Angleterre en 1797 – il s’agissait de voyages dans un pays mystérieux.
Vérifier la Grande-Bretagne et l’Europe, revenant avec des carnets de croquis complets, peignant dans son studio londonien – c’était la vie de Turner. Il a montré un tel expertise pour l’artwork, il a été accepté dans les écoles de la Royal Academy à 14 ans. Il n’a jamais connu l’échec et une fois que sa carrière a commencé dans les années 1790, n’a jamais eu besoin de craindre la pauvreté. C’était une montagne artistique, une formidable masse de productivité, qui a laissé des rames de dessins et d’aquarelles et d’impressions ainsi que des peintures à l’huile, une grande partie léguée à la nation à sa mort en 1851. Mais, en dehors de son travail, vous ne pouvez pas vraiment faire beaucoup de Turner en tant que personnage. Il a couché avec des femmes mais n’a jamais été marié, a construit une maison près de la Tamise, a continué à travailler, a fait une dernière maison à Chelsea avec son amant Sophia Sales space, y est décédé en vue de la Tamise. Son âme est dans son artwork.
C’est aussi notre âme. Turner nous montre notre terre comme un lieu d’émerveillement et de possibilité. Et il ne l’invente pas entièrement. Dans l’aquarelle jaune dorée de Durham, peinte vers 1835, il a tourné la cathédrale avec ses excursions Norman jumelles à 45 degrés pour mieux s’adapter à la vue et lui a accordé le même rayonnement ensoleillé miellé qu’il pourrait à une scène en Italie. Mais il enregistre également la vérité. Sur le pont au premier plan se trouvent de petites figures qui pourraient être des voyageurs fatigués à la recherche de nourriture, de travail, d’un abri qui voient la cathédrale éblouissante au-dessus d’eux. C’est son message. Nous pouvons penser que nous vivons dans un endroit et un temps écrasés et injustes, mais regardez les yeux et voyez la lumière et vous pouvez être élevé par une beauté soudaine, irradiée par l’espoir.
Sa imaginative and prescient d’un monde déchiré entre la tragédie et la possibilité s’étend de l’statement quotidienne au mythe sanglant. Dans sa peinture de 1811 Apollo et Python, le dieu grec de la lumière et de la raison vient de tuer un monstre écailleux incarnant l’irrationnel. Mais c’est une victoire vide, automobile nous apercevons d’autres horreurs serpentines qui se cachent encore dans le paysage boisé enchevêtré. Dans sa plus grande picture distinctive de mythe, Ulysses se moquant de Polyphème: Homer’s Odyssey, un paysage marin fumé à incandescence au massive de la côte de la Sicile est le cadre alors que le géant large bordé fait rage au sommet de l’Etna et du héros grec et de son équipage qui rit en riant dans le monster en aveugle. Mais le ciel enflammé est une fausse promesse de liberté. Polyphème appelle son père, Neptune, pour vengeance: le Dieu marin anéantira les hommes d’Ulysse et retardera son retour.
Remark Turner a-t-il été si familier avec les classiques? Il est tentant de le voir comme un héros de la classe ouvrière, mais il ne se tenait pas en dehors de la tradition d’élite. Il a grandi à un second où la compétition commerciale et le tarif artistique de Hogarth, Gainsborough, Stubbs et Wright avaient donné vie à l’artwork britannique. En tant qu’élève des écoles de l’Académie royale, il devait tirer des plâtres en plâtre d’artwork classique et absorber les références érudites d’artistes contemporains tels que Richard Wilson et Joshua Reynolds. L’artwork était l’éducation de Turner à une époque d’artwork éduqué.
Son âge était aussi l’âge romantique, lorsque la nature était adoptée comme une faith. Turner a commencé à se présenter aux spectacles annuels de la Royal Academy dans les années 1790, lorsque les poètes expérimentaient des formes folkloriques et des joies de la nature hymnantes. Wordsworth et Coleridge ont publié des ballades lyriques en 1798 qui comprenaient le rime de l’ancien marin et des lignes écrites à quelques kilomètres au-dessus de l’abbaye de Tintern. L’artwork précoce de Turner s’aligne consciemment avec la génération romantique. La même année que les poètes au bord du lac ont percé, il a rarement montré son level de vue le matin parmi les Fells de Coniston.
En tant que romantique conscient, il s’est abonné aux théories du pittoresque et chic et a estimé que ce qu’il faisait était une sorte de poésie. L’artwork du paysage s’était développé au XVIIe siècle mais avait eu un nouveau sens à l’âge romantique à mesure que la nature devenait le porteur d’idéaux intenses, lorsqu’il y avait une équation d’états intérieurs et extérieurs. Même la musique représentait un paysage dans la symphonie pastorale de Beethoven.
Turner ne s’est pas identifié à l’humble voix d’un Wordsworth. Son héros était Lord Byron, le plus aristocratique, «immoral», cyniquement attentif, internationaliste et politique des romantiques. Il a même écrit son propre poème byronic, les erreurs d’espoir. Il se rendrait à Venise et à d’autres villes italiennes en émulation de Childe Harold de Byron, visant le même mélange de reportage de voyage et de polémique. Sa peinture des conséquences sanglantes de la bataille de Waterloo, un marais de corps abattus sous la lumière d’une fusée nocturne, a une inscription citant le récit de Byron sur la scène: «La terre est couverte d’épaisseur d’argile / que son propre argile couvrira, entassé et pent, / rider et cheval – ami, One – en un seul argile mélange!» Son identification avec le poète montre le style d’artiste qu’il voulait être: politique et dangereux, aventurier avec un cœur.
Turner est autant un peintre de temps que la lumière. Il peut vous émerveiller de l’antiquité des rochers et des bâtiments, remark ils ont enduré. L’histoire en tant que survie remplit ses peintures du château de Caernarfon ou du Discussion board romain. Pourtant, il peut vous montrer une destruction soudaine qu’en un immediate essuie des siècles immuables.
Lorsque les maisons du Parlement ont pris feu en 1834, il était sur place pour peindre la masse de la flamme rouge reflétée dans la Tamise et la foule, les siècles montant en fumée alors que le cœur médiéval du gouvernement anglais a été détruit. Mais ses peintures de cet événement pleurent-elles une disaster ou se réjouissent-elles dans un nouveau départ? Deux ans auparavant, la Grande Reform Act avait balayé beaucoup de détritus constitutionnels pourrieurs. Turner peut aimer le passé, mais il vire le changement – même pour les flammes consommant l’ancien ordre.
Cet œil ambivalent pour l’histoire est la raison pour laquelle le 250e anniversaire de Turner signifie tellement. Ses dates ont une signification inhabituelle. Né dans un monde préindustriel, il vivrait jusqu’en 1851, l’année de la grande exposition qui célébrait la puissance industrielle victorienne britannique. La Révolution française et les guerres qu’il a déclenchés éclipsent ses premiers arts. Mais il a également été témoin de la révolution industrielle et s’est délecté de ses nouvelles énergies. L’industrie n’est jamais seulement une brûlure pour Turner, plus une libération de forces naturelles (qui, scientifiquement, est ce qu’elle était). Steam gouverne les vagues de Staffa, la grotte de Fingal, qui ravit le paradoxe que les touristes sont prises pour voir une ancienne merveille naturelle par une merveille technologique moderne, se frayant un chemin à travers les vagues.
Le décès de l’ancien et de la luminosité insouciante du futur entrent en collision dans sa toile de 1839 le Témeraire combattant. Le monde de la jeunesse de Turner a disparu: l’une de ses dernières reliques, un navire de la ligne qui a combattu à Trafalgar, est remorquée à son dernier lieu de repos sur une Tamise avec des eaux bronzées chatoyantes pour rivaliser avec l’une de ses mers mythiques.
La Tamise a été le premier tronçon de scie à tueurs d’eau. Ses tidales étaient sûrement là où il a d’abord intuié le mystère de l’eau, son instabilité. Il n’y a rien de solide et il n’y a pas de protecteur. Turner est censé avoir dit dans ses heures mourantes: « Le soleil est Dieu! » Si c’est le cas, la mer est le diable. Depuis qu’il a été dévoilé en 1840, les esclavagistes jetant par-dessus les morts et les mourants (typhon arrivant) ont été reconnus comme son chef-d’œuvre suprême. Le riche père du champion critique de Turner, John Ruskin, l’a acheté pour son fils. Ruskin a vénéré la peinture mais ne pouvait pas vivre avec, et pas seulement à trigger du contenu humain. Il s’agit du ciel le plus déchirant de Turner, taché de crimsons sanglants et de violets, une merveille naturelle vomit, sa lumière luride infectant les vagues vertes de gaz où les monstres essouchent. Ensuite, il y a ce contenu humain: les jambes et les bras dans l’eau, pondérés par des menottes et des chaînes de fer. Ce n’est pas le ciel et la mer qui sont malades après tout, mais le kind de société humaine représentée par le navire. La nature n’est ni divine ni maudite. Mais qu’en est-il de nous?
La Grande-Bretagne avait aboli la traite des esclaves en 1807 et la plupart des Victoriens se contentaient de se féliciter de cela. Pourquoi ratisser le passé? Il a fallu l’creativeness de Turner pour retourner dans la véritable histoire du Zong, un navire esclave de Liverpool dont l’équipage a assassiné plus de 130 Africains asservis en 1781, et rendre cette horreur aussi immédiate, éteinte – et britannique – en tant que témeraire combattant.
Qu’est-ce que l’héritage de Turner? Vous pourriez l’appeler le Rembrandt de la mer, ou le Léonard du paysage – il a l’universalité et la complexité de ces artistes. Il aimait rivaliser avec les vieux maîtres, la peinture de variations de mer néerlandais et les scènes italiennes de Claude.
Le critique de sniffy occasionnel affirme que le constable est plus honnête et réel, ou considère la manufacturing prodigieuse de Turner comme explosive et excentrique. Mais Turner sait ce qu’il fait. Il veut que la peinture touche simultanément l’âme, suscite les sens et défie l’esprit avec les méditations les plus graves de l’histoire, de la politique, voire du temps et de l’espace. Lorsque le télescope spatial Hubble et maintenant le télescope James Webb ont commencé à renvoyer des données, cela a été traduit par la NASA en photographs fumées et sublimes de l’espace foncier par lequel nous naviguons maintenant sur notre cosmos. À quoi ressemblent le plus ces nébuleuses romantiques? Les peintures de Turner, bien sûr.
Turner 250, un competition d’événements d’un an, se déroule maintenant au Tate Britain, Londres; Turner Contemporary, Margateet des galeries autour du Royaume-Uni.
